10 artists, 10 songs, 10 videos, 50 years of Dr. Martens

Al parecer, las marcas comenzarán a explotar el auge de diversas bandas que a pesar mío, están cayendo en una línea comercial, aún cuando la marca para que se trabaja, haya, esté y siga marcando tendencias.

Ahora es el caso de Dr. Martens, aquellas que alguien en algún momento de sus vidas a deseado (independientemente de llevarlo a cabo o no por su estilo e imagen de vida) unas botas de esta fabulosa marca. Éstas que han cubierto todos los estratos sociales, géneros, preferencias, gustos, y demás.

Para este año celebra su 50 aniversario y, para crear mayor diversión en la fiesta ha producido un disco en el cual volvemos a la mezcla de artistas actuales con música de antaño (léase tiempo abajo Levi´s). Pero, por supuesto, la tarea era superar lo realizado ya, por ello, el paquete no sólo incluye 1 disco con 10 temas, cada tema lleva un video especial según la canción, artista y grupo interprete.

No podemos decir que todos sean de mi agrado, ya sea por el video o la interpretación misma, pero si que hay varios de ellos que merece la pena escuchar con oídos y ojos.

Entre ellos puedo mencionar interpretaciones de Black Rebeld Motorcycle Club con el cover “Dyrty Old Town” del grupo The Pogues, con un descriptivo emocional en blanco y negro. Manteniendo el tono de grises y blancos se encuentra “If The Kids are United” de Sham 69 interpretado por The Duke Spirit, que si bien había hecho ilusión en letras pasadas a los objetos que ignoramos ocasionalmente en las fiestas, en este, las emociones son los que crean la movilidad en los objetos, es decir, los cuerpos, ojos, piernas, manos, cabello, sudor, etc de cada uno de los que salen a cámara, emocionalmente un placer verlo, además de que debería de ser la emoción plasmada de una Dr. Martens.

En otro sentido encontramos un par de videos en el que el arte (divertida y sorprendente) se amoldaron perfectamente a 2 grupos en los que su sonido no podía crear mejores imágenes, el primero es Cinematic Orchestra con la canción “Lilac Wine” de Jeff Buckley y NASA interpretando una canción de Max Romeo que lleva por nombre “Chase de Devil”. En ambos la animación es grandiosa.

Por último, podría mencionar las excelentes interpretaciones de Noisettes con “Ever Fallen in Love” de The Buzzcocks y Raveonnetes con “I Wanna Be Adored” de Stone Roses, videos a los que estamos acostumbrados, pero que la forma de interprertarse es extraordinaria.

Otras bandas están presentes, pero creo que es suficiente con lo anterior. El conflicto que me genera es el video que pueda dejarles de ejemplo, pues hay más de uno, pero a pesar de ello pueden escuchar, oír, aprender, ver, sentir desde su página:

http://50.drmartens.com/

Una letra

Hoy me di cuenta que una letra puede llevarse de un lugar a otro con todo el cinismo que la embarga, no importa de quién o de cómo venga, la responsabilidad de ésta se le puede generar a uno u otro par de ojos sin importar que esos ojos sepan el origen de la misma.

Hoy me di cuenta, justo cuando volteo al cielo dentro de mi habitación, que la letra se quedo muda.

Hoy me di cuenta que las letras no tienen sonido, sólo se sienten, y esto se potencializa cuando uno le imprime la carga, no a la letra, sino a la marca que la hace o por la que se creó.

Hoy me di cuenta de las letras que he pisado durante el día, hasta que la suela de mis tenis reclamaron su cansancio, entonces, las que cayeron en mis hombros replicaron, gritaron y se unieron a las de mi cabello para que me diera cuenta de que continúan alimentándose de mí.

Hoy me di cuenta del silencio, ante el cuchillo de mis dedos, que las letras guardan constantemente, para gritarme y reclamarme, sus ansias por dejarme sangrar.

Hoy me di cuenta que no me he dado cuenta de nada y que cada letra me sorprende constantemente justo cuando se descuelgan e intentan suicidarme.

Olvido

93

LCD Soundsystem: I Can Change

Como se sabe, LCD Soundsystem se ha despedido con su disco denominado This is Happiness. Pero, quizá, como un post-Lp, James nos muestra un pequeño Ep de remixes, en él encontramos 5 rolitas que nos permiten reconfigurar, entretenernos y divertirnos con una excelente canción dentro del caleidoscopio.

En este Ep encontramos la canción original, que le da nombre a esta golosina, “I Can Change”, en éste encontramos un remix de la misma por Tiga; 2 versiones creadas por Stereogamous y mi favorita, rompiendo esquemas, orden y sinergía, por Soulwax con la canción de “You Wanted A Hit”, que realmente le da otro sentido y sensación.

Realmente vale la pena escuchar estas versiones para no perder la sorpresa en un día al que le quedan 24 hrs, si bien nos va.

The Clientele: Minotaur

Con una música que me recuerda en momentos a los sonidos de mi cuchara golpeando diversos vasos de cristal, algunas caminatas veraniegas campestres o saltando entre charco y charco o andansas por la orilla de la carretera a la espera del camión de gas para que me lleve gratuitamente a la ciudad más cercana después de caminar varios muchos kilómetros y sin importarme del todo lo que gira y se presenta a mi alrededor, The Clientele nos presenta su nuevo disco Minotaur (que aún creo no es el mejor), el cual verá la luz a finales de mes.

Un bello dream pop de principio a fin, marcando una pausa a la mitad del disco con “N°33” en donde escuchamos un solo de piano que da pauta para entrar en la recta final de lo que ha creado. Una especie de justificación para romper y dejarnos con ganas de la canción número 9 que ya no llegará.

Bellamente terminado con “Nothing Here Is What It Seems”, lo que permite dar replay y comenzar de nuevo con la fabulosa canción que da nombre al disco “Minotaur” o “Gerry” y porque no, encontrar el punto de mayor diversión en “As The World Rises And Falls” para entrar de nuevo a esa inclinación emocional con “Strange Town”.

Entonces, me doy cuenta que el disco tiene un error por no encajar con mi sentido, así que de ahora en adelante comienza en la 8 y termina en la 7.

Eels: Tomorrow Morning

Después de esperar casi 3 meses el nuevo disco de Eels, la nostalgia, melancolía y ausencia de Olvido permean cada objeto que yace bajo el sonido de Tomorrow Morning.

Se dice que Tomorrow Morning es la continuación o terminación de una trilogía que comenzó con Hombre Lobo y End Times. A mi parecer, no hay una continuación en la melancolía de una novela anterior, en la nostalgia de la segunda parte de un acto o en el dolor de la primera acción, cada uno carga con el sufrimiento que ha generado dicha etapa.

Y eso es lo que considero con este nuevo disco de Eels, en donde a mi parecer no ha sanado en ningún sentido, ni en grado, la pérdida de su padre, el suicidio de su hermana y la enfermedad incurable de su madre, aunado todo esto a su soledad.

Por ello, nos brinda un disco que si bien mantiene una sencillez como base, guitarras, algunas cajas de ritmos y teclados, la emoción y sentimiento es lo que más le sobra, inclusive en algunas canciones en donde parece demostrar un poco de explosión melancólica como en “This Is Where It Gets Good” o “Baby Loves Me”, “Oh, So Lovely”.

Por supuesto, en 19 canciones nos otorga una diversidad de tonos en los que la tristeza es la línea principal, en sus diferentes y personales facetas. Nos muestra un poco de arte completamente azul. Un dolor que se transpira por notas en sillones que no desprenden olores de locura. Entre líneas inclusive existen voces que pudieran transformarse en gritos sórdidos. Letras enmarcadas en las paredes para cubrir las grietas que hemos querido olvidar. Un disco que acompaña el desanimo de días soleados.

Entre las que deben de escuchar para tener una idea de lo que viene están “What I Have to Offer”, “St. Elizabeth Story”, “I Like the Way This Is Going”, “Let's Ruin Julie's Birthday”. Por cierto, esta semana saldrá a la venta, así que ya escucharán algo en sus radios.

Sufjan Stevens: All Delighted People

Aquellos que han tenido las carpetas sabrán mi gusto por Sufjan, un tipo que realiza diversas actividades verdaderamente alternativas, entre ellas, la que se propuso al componer un disco por cada ciudad de su país, para lo cual lleva 2 hoy en día (Michigan e Illinois, este último altamente recomendado), así como diversos discos al paralelo.

Ahora, hace público un ¿Ep?, ¿doble Ep?, ¿Lp? llamado All Delighted People. 8 canciones que duran exactamente 1 hr, en las que sólo 2 canciones (“All Delighted People [Original Version]” pues cuenta con otra versión classic rock y “Djohariah”) se hacen cargo de casi 29 min, pero que distan mucho del aburrimiento, con una estructura relativamente sencilla, con sus coros femeninos y aquellos sonidos instrumentales de cuerda y viento.

En este disco encontramos su singular corriente de neo-folk, su talento precoz y prolífico, además de ese toque moderno que le imprimen las guitarras eléctricas y percusiones. Nos regresa en algún punto a esa intimidad que tanto lo caracteriza y que se contraponen en una y otra rola, en emoción y emociones en “The Owl And The Tanager”, “From The Mouth Of Gabriel” o “Arnika”.

Sufjan Stevens sorprende no sólo con su música, incluso en el lanzamiento de la misma, pues sin dar noticia a medio alguno apareció a la venta en su página de internet por sólo 5 euros, o si se prefiere, canción por euro. Aquellos que no deseen pagarlo pero escuchar un poco de él o saciar su curiosidad pueden escucharlo por completo ahí mismo, ya que saldrá en Cd hasta el mes de diciembre; nada raro en él.

Jenny and Jhonny: I’m Having Fun Now

Una de mis tantas pocas voces que me proyectan un sin fin de imágenes y cuentos, ya sea en solitario, con las gemelas Watson o ahora con el gran Jhonny, una sensación de ansiedad me invade ante la escucha de su nuevo disco que saldrá a finales de mes.

Un disco del cual no esperaba menos, sobre todo, al encontrarme con Jenny Lewis (vocalista del grupo Rilo Kiley, aunque mi fascinación se da más en solista o sus diversos dúos) y Johnathan Rice (actualmente novio de la peliroja y con el cual ha trabajado en diversas ocasiones) que ahora se juntan para dar vida a I’m Having Fun Now.

I’m Having Fun Now es un disco en el que están haciendo un indie- pop clásico en donde la voz de Jenny es la que nos proporciona las emociones necesarias y los coros de Jhonny y su batería le otorgan ciertos matices de un rock en los que quisieron sumergirse por momentos cuidando muy bien el hecho de que no sea su género, como lo demuestran en “My Pet Snake” y “Apple Blossom“ o bien las guitarras de fondo en donde juegan con sus tonos de voz, cediéndose la batuta entre canción y canción como ocurre en “Switchblade” o “Winter sun” en donde tenemos influencias más folk.

Por supuesto, canciones como “What a Friend” o “Winter sun” que me recuerdan en demasía a Belle & Sebastian, Camera Oscura o Lucky Soul.

La adrenalina, éxtasis o llámese energía con la que se despiden en “Short & Sweet”, es sorprendente, justo cuando estoy a punto de sentarme a devorar el último trago con mayor tranquilidad… un sorbo es suficiente, me levanto y realmente empiezo a divertirme.

Hey Champ: Star

Un disco que formó parte del 44, el cual hace tiempo aun tengo conmigo, por lo tanto, hace tiempo que este disco está en mis manos, ya que cada canción debe de esperar a aquellas que lo complementen. Pensando esto, no sé qué ocurre, si es mi sobra de tiempo o falta de música digerible en la red, pero ahora le toca a Hey Champ, un disco para el cual necesito apoyo visual para que entiendan un poco las emociones que carga consigo.

Hey Champs es una banda de electro pop synth que se maneja con la tendencia que viene marcando a los grupos en toda la primera mitad del año, realmente no ofrecen nada nuevo, pero no por ello se les puede criticar negativamente, por el contrario, después de darse a conocer con su exclenete canción “Cold Dust Girl” y su disco de remixes, nos traen Star en el que experimentan con algo de indie pop o power pop sin salirse de su línea.

Lo último puede constatarse en el contraste que se nota entre sus canciones “Word=War” y Cold Dust Gir”l o “Shake”, ocasionalmente en “Neverest” o “Face Control”. Canciones en las que nos llevan emocionalmente de un nivel a otro sin demasiada compasión, por lo que creo será un disco bien recibido en varias de las fiestas a las que no suelo ir.

Para demostrar un poco lo que deseo comunicar, les dejo el video de “Cold Dust Girl”, el cual nos muestra las emociones que cada objeto carga consigo y que transforma las propias de una manera apabullante, ya sea la chispa de in encendedor, un trago, un tornamesa, un vestido, un cigarrillo, etc, objetos a los que hemos interiorizado sin percatarnos en el potencial que nos ceden…además de las niñas hermosas que bailan con la libertad asumida y los ojos que reconocen en ellas.

Amanda Palmer: Performs Radiohead on Her Magical Ukulele

Una chica fascinante que le dio un giro de 360° a su carrera artística, que para ser sinceros me gustaba en gran medida cuando desempeñaba su papel con la banda Dresden Doll, inclusive en el momento de sacar su disco de solista me embarga la emoción por escucharla en un línea similar o potencializada a lo que traía en cada escenario y videos de su vida intima, sobre todo al escuchar el título de Who Killed Amanda Palmer, pero no fue así, la decepción me invadió por un momento, por lo que tuve que recurrir al olvido de la memoria y empezar de cero para escuchar más fría y objetivamente a esta niña. La perspectiva fue otra, para bien.

Después de asimilar dicho cambio, fui encontrando pistas de ella a través de algunos covers que comenzó a realizar, entre ellos uno a Radiohead que interpretaba en un taxi londinense exclusivamente con su Ukelele, y en otra ocasión en un concierto en Praga, bellamente vestida con un vestido que en la simpleza llevaba el pecado, de nuevo su Ukelele y el sentimiento a cuestas; esas sorpresas fueron grandes, diferentes, extrañas y fabulosas. Ahora solo quiero recordarla ante la ausencia e incapacidad de encontrar cualquier tono de azul, no importando que tenga 2 años de uso.

Parecerá extraño, pero por primera vez (en carpetas y blog) proyecto un disco de recuerdo.

Röyksopp: Senior

Hace poco más de un año este dúo noruego había lanzado la primera parte de lo que sería un disco doble con el nombre de Junior, para ese entonces recuerdo bien estaba encerrado en horarios y paredes laborales sin muchas labor, así que me daba para escribir con mayor libertad y disfrutar lo que generaron con dicho disco.

Ahora, después de algunas noticias erradas en las que se mencionaba que en abril del presente año Röyksopp lanzaría este otro lado del disco, por fin, está en mis manos y, por cierto, saldrá hasta mediados de septiembre.

Esta parte de la fragmentación lleva por nombre Senior, el cual muestra un lado más oscuro, maduro y dramático, a placer mío (sin demeritar el enérgico y juvenil Junior, por supuesto) pero se sabe bien mi preferencia por un estado más emocional e intimista, en donde las proyecciones que realizan van encaminadas a la tristeza, melancolía, nostalgia y ¿madurez? (noooo) pero desde una perspectiva más dura y cruel.

Con Senior nos muestran un disco en donde hacen uso de repetidas distorsiones graves que lo distancian o contraponen a su anterior disco. Actualmente pueden notarlo en su primer sencillo “The Drug” el cual pueden descargar desde su página o simplemente pedírmelo en los comentarios para que tengan todo el disco y escuchen canciones como “The Alcoholic”, el cual comienza con un sonido peculiar que cualquiera puede reconocer y que sigue el ritmo emocional de un buen día cantinero; o “Senior Living” que me llevan a Pink Floyd en algunos momentos psicodélicos; deleitarse con “The Fear” o mi favorita “Coming Home” (últimamente regresar, estar, ir, quedarse, etc…en casa es constante) en la que nos trabajan emocionalmente para darnos el toque de gracia con “A Long, Long Way”.

Realmente no esperen un disco similar a Junior, simplemente es la otra cara de la moneda y la forma en que lo proyectan es fascinante, creo que me permitirá escribir el capitulo 6.

Leonard Cohen: Songs from the Road

No tengo nada que decir del gran maestro Leonard Cohen, quizá y espero todos lo conozcan directa o indirectamente, por algún disco, una canción, en cine, concierto, personajes comerciales que se han vanagloriado por cantar a su lado, como un tal U2, solo por citar a uno o a través de mi.

Una persona que ha pisado los mejores escenarios del mundo (en belleza y prestigio), que a estado en casi todos los rincones del mundo, lo han escuchado hasta los oídos más selectos y aplaudido por las palmas que no tienen registro.

Me sorprende la grandeza de Leonard Cohen, cada canción de antesala es un poema, una persona que el escribir es un trabajo diario al que hay que dedicarse y que a sus 76 años y después de 15 años realizara una gira, lanzará este 14 de septiembre un disco recopilatorio en directo de lo que para él son algunos de sus mejores temas.

Con un título extraordinario, Song from the Road, una portada con el estilo que el señor siempra ha mostrado y 12 poemas que sin más, lo único que puedo cuestionarle y que me deja un ligero tono de decepción es la falta de un tema, el cual representa algo más que eso: I’m Your Man.

Lástima, seguiré andando y espero que él también…

Ra Ra Riot: The Orchad

Me fascina tener el tiempo para subir música que ya reproducía pero de la cual las letras le faltaban, ahora es el caso del nuevo disco de Ra Ra Riot nombrado The Orchard y que verá la luz el 24 de agosto. Que lastima, quizá para cuando salga seguro mis sentidos estarán ya en otros discos.

Un disco fascinante el cual está producido por Andrew Maury (principal referencia (Tegan & Sara) y mezclada por Chris Walla (Death Cab For Cutie) y Rostam Batmanglij (Vampire Weekend), como verán una serie de músicos predilectos y preferidos por el Olvido. Ante ello lo que pueda decir del disco queda corto.

Me encanta escuchar discos a los que se le ha dedicado tiempo para que mis sentidos queden complacidos y The Orchad es uno de ellos, desde el principio marcan la línea de un indie-rock que les gusta y que superan desde aquel The Rhumb Line (no cuento en esta ocasión el Ep de Boy) el cual provoco las ansias de su siguiente disco y la curiosidad de saber si aguantarían la carga y exigencia del anterior y creo que en demasía lo han logrado.

Algunos mencionan “Boy” como el mejor tema del disco. Yo difiero en eso. Veo al grupo en su máximo esplendor en “Foolish”, “The Orchad”, “Too dramatic”, “Massachusetts” o “Do you Remember”, claro está, sin desmeritar a “Boy”.

The Orchad es una combinación de pop de cámara e Indie-rock barroco, canciones en las que escuchamos violines y chelos mezclados de forma excelente con el rock que los caracteriza, sintetizadores y, ocasionalmente, con voces femeninas que tanto me gustan al oído.

Aeroplane: We Can’t Fly

Es una lástima, que después de un buen rato de hacer muy buena música y esperar su primer largo con el tipo de electrónica que me agrada y disfruto, entre la diversidad de canciones rotas por las que medo llevar, este dúo Belga, que lleva por nombre Aeroplane se haya desintegrado y más después de un excelente disco como es We can´t Fly.

El disco esta compuesto por 12 grandes temas que han sido inspiración propia en los que encontramos guitarras psicodélicas, pop aceptables y algunas influencias de la música de los 70’, que sigue marcando todos los géneros actualmente.

Me encanta la frescura con la que ejecutan este tipo de electrónica, más clara y con más luz. Aunque no sé si ubicarla entre un dubstep o post-dubstep…con eso de que ahora todo es post-algo, lo cual tampoco es relevante, siempre y cuando sepan establecerse corporalmente en el lugar correcto.

La diversidad de voces que surgen a lo largo del disco me encantan, así como los instrumentos, sonidos y emociones que despliegan entre una y otra canción, lleno de diversos estilos en el cual hasta creo surge una pequeña influencia de Pink Floyd, no se preocupen, sólo es un debraye intimo.

Ahora se puede escuchar el sencillo de "We Can´t Fly", el cual, por supuesto, deleitará a muchos algunos, pero que a mi parecer la superan algunas rolas como My Enemy, Without Lies, We Fall Over o Fish In The Sky, en las cuales mantiene la energía que al final del disco creo les hizo falta.

Kathryn Calder: Are You My Mother?

Alrededor de un mes este disco se ha reproducido en los momentos adecuados en los que la aguja se ha detenido, sin embargo, ante la falta de tiempo o entusiasmo por otras letras no había podido demostrar mi gusto por esta niña canadiense que lleva por nombre Kathryn Calder.

Al parecer, con Are You My Mother? refuerza todo lo que ha venido mostrándonos desde hace 3 discos con The New Pornographers cuando empezó a suplantar a Neko Case en los conciertos en vivo, creo que lo hizo bastante bien con esa dulce y delicada voz que la ha caracterizado junto a sus teclados (actualmente a las niñitas les gusta hacer música con teclados y voces lindas que me descomponen constantemente), tanto que se quedo con el grupo y ahora hasta su disco solista lanzará para el mes de octubre, aunque habría que aclarar que ya está exclusivamente en formato digital.

En Are You My Mother?, tenemos historias que se dice están basadas en la enfermedad y fallecimiento de su madre y que bajo líneas o imágenes se ve representado claramente en el video de su nuevo sencillo “Slip Away”.

En general, el disco está rodeado de una simpleza (lo que la hace aún más compleja y rara) muy bien cuidada y embellecida música, enmarcada por un pop melancólico que hace uso de una instrumentación necesaria para crear algo que nada tiene fuera de lo común y quizá eso, es lo que más me agrada del disco.

El disco fue creado en una pequeña oportunidad que tuvo de visitar la casa de su madre y, por qué no, hacer un disco, femenino, intimo, propositivo. Composiciones llenas de calidez y ternura pop que escuchamos no sólo en su sencillo, también en canciones como “So Easily” o “All It Is”.

Por último, un dato importante para entender su acercamiento con la música desde temprana edad, es Kathryn Calder sobrina del grandioso A.C Newman, uno de los principales músicos con los que se empezó a crear una de las carpetas.

Allo Darlin': Allo Darlin'

Allo Darlin' es un cuarteto inglés que empezó a llamar la atención el año pasado con dos magníficos 7” y que han cautivado un pequeño pero reconocedor grupo de fans. Actualmente van estrenando su primer Lp con 10 excelentes canciones y el cual lleva por nombre Allo Darlin'.

Alrededor de días de marzo lanzaron como primer sencillo su excelente canción Dreaming, la cual nos otorga un fabuloso juego de voces entre Monster Bobby (el cual es de esas voces graves, nostálgicas que se sirven con un buen vaso de whisky) y Elizabeth Morris (ligero, sencillo y cálido timbre de voz que complementa esa melancolía encontrada).

En ese tiempo me encantaron, atrajeron y cambiaron uno de mis tantos días soleados, ahora puedo disfrutar de un disco catalizador de caricias musicales, recuerdos y pasatiempos endocrinos.

If Loneliness Was Art, Heartbeat Chilli, Kiss Your Lips, Let's Go Swimming (en donde oníricamente puedo introducirme en su pecera sin necesidad de saber hacerlo)…y por supuesto The Polaroid Song, que me lleva a The Like y The Pippets (quizá porque son del mismo sello discográfico Fortuna POP), en donde teclados, guitarra y sonidos de viento hacen de mi una retrospectiva o por qué no My Heart Is A Drummer en donde algo de mi se mueve sólo por las ondas.

Algunos han comparado a Allo Darlin' con Camera Oscura… si bien es un disco dulce y veraniego no hay que caer en exageraciones, creo que va en un sentido paralelo, pero dista mucho de la música de una de mis bandas favoritas… esto no debe decepcionar, solamente colocar a cada quien en su cajón.

Antony and the Johnsons: Thank You For Your Love

Muchos pocos saben que no me agrada escribir sobre Ep’s, a excepción de aquellos que nos ofrecen un material diferente y/o único que sé no vendrá en su próximo disco. El hecho de que no me guste es simple: soy un egoísta… disfruto escuchar los adelantos e imaginar que tanto se metamorfeará el disco antes de su llegada, hablar sobre canciones que aún no suenan y sorprenderme o decepcionarme durante la espera de las piezas que completen este gran puzle… sin embargo…

Encontrarme con un Ep de Antony and the Johnsons que saldrá a la venta afinales de agosto previo al lanzamiento de su nuevo disco (Swanlights) me ha provocado unas infinitas, suculentas y extrañas ganas de compartirlo.

Éste lleva por nombre Thank You For Your Love y está compuesto por 5 rolas, de las cuales sólo la homónima quedará en el futuro disco. Las 4 canciones restantes simplemente nos muestran a un Antony con una boca llena de emoción, escupiéndolas constantemente en cada bocanada que de ella emana. Me sorprende otro tanto como transforma la emoción de algunas canciones que varios deben de conocer y que ahora Antony les crea otro sentido con su melancólica voz. Esto ocurre en el caso de la poco reconocida Pressing On de Bob Dylan y la muy reconocida Imagine de Lenon.

Aquellos que no sepan de quien estoy hablando, podremos decir que Antony es el líder, vocal, pianista y compositor de la banda, en donde Johnsons realmente solo son acompañamiento, ya que la personalidad, sentido, atmosfera es una representación del mismo Antony. La línea de sus letras van en el camino del transgénero, en donde él esta incluido, en donde menciona que Dios es una chica o que desea ser mayor para convertirse en mujer, más o menos va por ahí. Además de 3 grandiosos discos ha participado con diferentes artistas y/o eventos como es el caso del fabuloso homenaje I’m your Man que se le hizo al maestro Leonard Cohen en el 2006, su voz hace juego con las niñas de CocoRosie en el Noah’s Ark, con Lou Reed en 3 ocasiones y discos distintos, en el grandioso disco de Hercules and Love Affair, algún dueto con Bjork, entre muchas tantas cosas más.

Aquellos que deseen esperar a la salida del nuevo disco, les anticipo que se ofrecerá una edición especial que incluirá al cd dentro de un libro de tapa dura con 144 pag. de dibujos, pinturas, collages, fotografías y textos del propio Antony.

O. Children: O. Children

O. Children me ha sorprendido en demasía. La voz, los ritmos, los tonos que me recuerdan a tantas bandas pero con algunos sonidos que los actualizan de maravilla. Su cambio en el que demuestra una excelente evolución, dejando de lado la electrónica y mostrándonos un sonido más atmosférico, siniestro y oscuro.

Después de que hace un par de año desaparecieron por las presiones recibidas por un tal Bono (U2), quizá algunos lo ubican, el cual ante la envidia o impotencia de no poder crear de tal forma o haber salido al mundo comercial sin probar el gusto de ser una banda de culto underground londinense decidió sacarlos del escenario con presiones o influencias.

Ahora, Bono Must Die regresan con el nombre de O. Children, y su nuevo álbum homónimo en el cual escuchamos sonidos característicos que nos recuerdan a The Editor, Diego, She Wants Revenge, The Horrors e incluso a The National con esa voz particular de su vocal. Inclusive se han dado el lujo de nombrarse como alguna canción del maestro Nick Cave & The Bad Seeds.

Canción que resultan de mi agrado son varias, desde la magnífica Dead Disco Dancer, la atmosférica, oscura y filosa Smile, hasta la pronfunda vocalización en Ezekiel’s Son, y la ligera electro y fatalista Don´t Dig, entre otras.

Altamente recomendada por un servidor, hoy en días que no estoy del azul que todos esperan…